Возможна ли удачная экранизация книги? Можно ли снять кино так, чтобы поклонники литературного первоисточника были довольны? Если хоть кто-то способен снять фильм по роману Бориса Виана, так это Мишель Гондри, картина которого появилась в кинотеатрах Франции.

Est-il possible de réussir l'adaptation cinématographique d'un livre? Est-il possible de réussir la reproduction d'une source littéraire? Si quelqu'un est capable de faire un film d'après l'œuvre de Boris Vian, c'est bien Michel Gondry, dont le film vient de sortir au cinéma en France.

Affiche du film

В романе главный герой Колин (Ромен Дюрис), обеспеченный молодой человек, теряет всё, пытаясь вылечить свою молодую жену (Одри Тоту), у которой в лёгком выросла водяная лилия. Он идёт работать на завод, где оружие само вырастает из болванок при помощи человеческого тепла, но на его винтовках почему-то растут розы. Его друг Шик (Гад Эльмалех) не может жениться на любимой им Алисе (Айса Майга) потому, что слишком увлечён книгами Жан-Соль Партра (естественно, это Жан-Поль Сартр). Герои романа хотят просто жить и радоваться, любить. Это потерянное поколение, это дети, которые не хотят взрослеть, не желают и не могут видеть реальный мир, который, как следствие, их убивает. Горький и нежный романтизм и одновременно инфантилизм. Есть что-то невыносимо прекрасное, болезненное и горькое в этой истории о любви и неприспособленности к жизни, равнодушии и жестокости. Абсурд перемешан с лирикой, реальность с фантастикой. У Колина есть вполне себе разумная мышь, активно участвующая в происходящем; его повар и одновременно друг Николя (Омар Си) умудряется поймать угря (приманив его на ананас), живущего в трубах водопровода ; с помощью пианококтейля можно создавать напитки, играя любимую музыку; стены квартиры постепенно сжимаются, реагируя на плохое состояние дел, зато после прослушивания дисков Дюка Эллингтона комната может стать круглой...

Фильм, который вызывает либо восторженное преклонение, либо недоуменный скептицизм. А всё потому, что и сам роман неоднозначен. Вроде бы, проза пропитана сюрреализмом и тонким романтизмом, а примерно половина читателей видят в ней метафорично переданный реализм, пародию. Там, где одни видят лилию, выросшую в лёгком у Хлои (какая поэзия — хрупкая нежная красота, которая убивает), там другие видят рак. Так вот, что вполне естественно, при реализации кинокартины встаёт вопрос о трактовке романа.

Мишель Гондри выбрал линию ирреальной реальности. В его кино (вместо педантичного следования сюжету) передаётся сама суть и дыхание литературного первоисточника. Режиссёр несколько свободно трактует первоисточник, переставляет эпизоды, меняет детали, многое опускает, что-то добавляет, но, несмотря ни на что, добивается того же настроения, той же щемящей горечи, сжимающегося мира и ускользающей красоты, что и в романе. Преувеличенно фантастичные, часто комические детали, вызывающие смех вначале, в конце заставляют плакать. Сумасшедший, невозможный мир, но такой живой, настоящий, что кажется реальней реального.

Как в романе, так и фильме подняты вневременные вопросы о самой «пене» дней, об актуальности всего в нашей жизни, о приоритетах и выборе. Борис Виан ничего не говорит прямо, он оставляет читателя решать самому, что он хочет увидеть. И режиссёр делает то же. Никакого намёка на контекст романа (написан в 1947 году), использована одна лишь лирическая линия, сама история. В фильме можно увидеть забавную историю с очень грустным концом, а можно увидеть щемящую трагедию. Всё зависит от желания и видения зрителя. Оставлять зрителю выбор, заставлять работать его воображение и предлагать досоздать и достроить то, что остаётся за рамками картины — истинный талант Мишеля Гондри.

Фильм красиво и качественно снят, настоящие реальные узнаваемые места (Париж) тонко трансформированы и дополнены. Собственно, вся лента — это гигантская работа художников (Стефани Розенбаум, Пьер Ренсон, Флоранс Фонтен), оператора (Кристоф Бокарн), монтажа (Мари-Шарлотт Моро).

Интересно, что «Пена дней» не первый опыт режиссёра с тонкой гранью реального-ирреального (есть ещё «Вечное сияние чистого разума» (2004), «Наука сна» (2006)); ненастоящее настоящее — отличительная особенность его работ. В обход компьютерной графики он часто прибегает к альтернативным нестандартным техническим приёмам, «кустарничеству», ищет и разрабатывает свои собственные визуальные находки. В результате объекты и интерьеры в его картинах, вроде бы, и реальны, но совершенно точно не могут существовать, чем достигается атмосфера зыбкости, сна.

Многие идеи и находки режиссёра нашли воплощение в проекте «Кинофабрика Мишеля Гондри». Созданная в начале 2011 года в Центре Помпиду и показанная на Каннском фестивале 2011, «Фабрика» (l'Usine de Films Amateurs) представляет из себя передвижную киностудию для любителей, где «снять кино может каждый». Это подобие лабиринта из комнат, коридоров, закоулков-интерьеров, где собраны реквизит и костюмы, созданы гениальные портативные декорации (например, полмашины, где вместо окон телевизоры и можно менять пейзаж «снаружи»; или стена-поезд со скамейками и всё теми же окнами-телевизорами; барная стойка, стул дантиста, помойка, арка — фантазия создателя неисчерпаема). Участники проекта (группы около 10 человек) сами пишут сценарий, распределяют роли, затем, используя реквизит, снимают свой собственный фильм. Всё — за 3 часа. Идея проекта в том, что кино стало слишком «профессиональным», что ему часто не хватает непосредственности и искренности и что у любителей оно может выйти интересней, неожиданней и живей, чем у профессионалов. «Фабрика» гастролировала в Париже, Нью-Йорке, Рио-де-Жанейро, Роттердаме, Москве, а зимой этого года получит своё окончательное «место жительства» в пригороде Парижа Обервилье.

Dans le roman, le rôle principal (joué par Romain Duris) est un jeune homme vif, qui perd tout et qui essaie de guérir sa jeune femme (jouée par Audrey Tautou) en cultivant des roses car un nénuphar pousse dans ses poumons. Son ami, Chik (joué par Gad Elmaleh) ne peut pas se marier avec sa bien aimée, Alice (joué par Aissa Maiga) parce qu'il est trop passionné par les livres de Jean Sol Partre (qui est bien sur Jean-Paul Sartre). Le héros du roman essaie simplement de vivre, d'être heureux et d'aimer. C'est la perdition d'une génération, ce sont des enfants qui ne veulent pas grandir qui ne désirent et ne veulent pas voir la réalité du monde et qui par conséquent se détruisent. Äpre et doux romantisme et en même temps infantilisme. Il y a quelque chose d'immanquablement magique, de maladif et d'amer dans cette histoire sur l'amour, cette incapacité à vivre. L'absurde est mêlé au lyrisme, la réalité au fantastique. Par exemple, Colline qui participe activement dans le déroulement des actions a un ami cuisinier, Nicolas (Omar Sy) qui parvient à attraper une anguille vivant dans les canalisations. Autre situation absurde, grâce au pianococktail, on peut créer sa boisson qui joue sa chanson préférée, ou autre exemple,  les murs de l'appartement peu à peu se compressent réagissant à l'atmosphère pesante si bien qu'en écoutant Duke Ellington, la pièce peut devenir circulaire.

Le film suscite ou une grande admiration ou un grand scepticisme. Et tout cela vient du fait qu'il n'y est pas une seule signification. En fait, la prose est imprégnée de surréalisme et de romantisme. Par exemple, certains spectateurs voient une métaphore du réalisme parodié, d'autres voient dans le nénuphar grandissant de Chloé, une fragile douce poésie qui tue, d'autres encore voient la symbolique du cancer. C'est grâce au réalisme du cinéma qu'on peut lire les différentes interprétations du livre.

Michel Gondry a choisi la ligne du réalisme irréel. Dans son cinéma, il transcrit l'idée du destin et de la respiration de la source littéraire. Le réalisateur assez libre traite de la source littéraire, met en scène les épisodes, change des détails, en laisse certain, en ajoute d'autres, mais malgré cela, ce qui tend vers ce même sentiment, vers cette amertume latente, des limites du monde, des différents angles de beauté comme il existe dans le roman. L'exagération fantastique, les détails souvent comiques provoquent le rire dès le début et à la fin on a envie de pleurer. Monde fou et impossible mais si vivant et authentique qu'il donne l'impression d'une vie réelle. Comme dans le roman, on parcourt les questions intemporelles de l' «écume» des jours, les questions actuelles de nos vies, les priorités et les choix. Boris Vian ne dit rien de façon directe, il laisse aux lecteurs le soin de répondre seul aux questions, ce qu'il veut bien voir.  Et le réalisateur fait la même chose. Dans le roman (écrit en 1947) il n'y a pas une seule ligne lyrique de l'histoire. Dans le film, on peut voir une histoire drôle avec une fin très triste ou l'on peut voir une terrible tragédie.

Tout dépend du désir et du regard du spectateur. Laisser au public le choix, le laisser naviguer par sa propre imagination et lui proposer de créer et de construire ce qui reste au travers du film grâce au véritable talent de Michel Gondry. Les images sont belles et de qualité dans le Paris authentique et célèbre. Tout le film est le résultat du fantastique travail de Stéphanie Rosenbaum, Pierre Rançon, Florence Fontaine, opérateur Christophe Bocarde,montage: Marie-Charlotte Moreau.

Il est intéressant de constater que l'Ecume des jours n'est pas la première expérience du réalisateur avec cette légère frontière entre le réel et l'irréel. (il y a aussi Eternal Sunshine of the Spotless mind 2004, la science des rêves 2006), réalité irréelle est une caractéristique de ses œuvres cinématographiques.

Grâce aux techniques graphiques, il a souvent recours à une alternative non-standard de techniques de tournage, il cherche et développe ses propres trouvailles visuels. Le résultat des tableaux des scènes donne un aspect réel mais ne pourrait pas vraiment exister et de ce fait il apparait une atmosphère qui incite au rêve.

Beaucoup d'idées et de trouvailles du réalisateur Michel Gondry viennent du projet « Fabrique du cinéma de Michel Gondry». Crée au début de l'année 2011 au centre Pompidou et présenté au festival du film de Cannes en 2011, « La Fabrique» (Usine de films amateurs) nous présente un studio en mouvement pour les cinéphiles, où «chacun peut filmer».

Cela ressemble à un labyrinthe de chambres, de couloirs où sont rassemblés des accessoires et des costumes. Les membres du projet (groupe de 10 personnes environ) écrivent le scénario, distribuent les rôles, utilisent des accessoires et filment leur propre film en trois heures. L'idée du projet est que le cinéma est devenu trop «professionnel» qu'il manque de spontanéité et de sincérité. Ainsi, les amateurs peuvent créer un film intéressant, inattendu et vivant, plus que chez les professionnels. «L'usine» a tourné dans le monde entier: à Paris, New-York, Rio de Janeiro, Rotterdam, Moscou, et l'hiver prochain recevra son dernier «lieu de résidence» dans la banlieue de Paris, Aubervilliers.